電影藝術手法范文

導語：如何才能寫好一篇電影藝術手法，這就需要搜集整理更多的資料和文獻，歡迎閱讀由公務員之家整理的十篇范文，供你借鑒。

篇1

一、夸張的概念及藝術價值

夸張是通過對現實世界中具體事物和現象做出的超出實際尺寸和實際能力范圍的縮小、擴張或形狀的改變，用以突出事物的本質特征，表達創作者強烈的思想感情，給受眾留下深刻的印象。從藝術學的角度來看，夸張在動畫中是一種特有的手法，它與現代修辭學中的夸張比較接近，只是表現形式有所區別，在動畫中是靠畫面表達，而在文學中則是靠文字表達。不過，他們的目的都是為了吸引受眾的注意，使平淡無奇的故事畫面或文字在加以夸大、簡略或變形后能激發受眾的好奇心，以引起他們的共鳴。在動畫創作中，作為動畫藝術表現手法的“夸張”具有廣泛應用。它的主要功能表現在制造幽默的氣氛以及強化效果，使角色形象特征更為突出、更加鮮明。而它貫穿在整個動畫片制作過程之中，無論是劇本構思的夸張、人物造型的夸張，還是動作的夸張等，幾乎都可以找到它的存在。可以說，夸張是動畫的重要特性之一。從創作上來看，動畫中的“夸張”既依托于現實事物，又以創作者的創作理念為主導，使動畫藝術更具吸引力與感染力。在動畫電影《熊出沒之雪嶺熊風》中就合理地運用了夸張的手法，使影片更具畫面感，視覺傳達也更有沖擊力，讓觀眾更容易感受到影片風趣幽默的視覺效果。

二、夸張在動畫電影創作中的重要作用

在動畫電影創作中，主要指在電影劇本、角色形象設計、動畫動作設計中，對故事情節、角色造型、肢體動作、表情特征等進行跨越正常狀況的描繪，使原本四平八穩的畫面變得刺激和強烈，增強了受眾的深刻印象和好奇心理，同時也增加作品本身的感染力。動畫電影《熊出沒之雪嶺熊風》由于恰到好處地運用夸張的手法，明顯增加了動畫電影的趣味性與生動性，制造出更多的“笑料”，同時也突出了動畫電影中的人物特征和性格特點，讓受眾的心情隨著動畫電影的劇情而波動。要想創作出好的動畫作品，必須熱愛生活、參與生活、熟悉生活，擴大自己生活的積累，正所謂藝術來源于生活。而動畫創作與一般繪畫創作不完全一樣，夸張成分比較多，所以要想成為一名優秀的動畫工作者，除了要懂得生活的本味，還要發現生活中的趣味。在動畫創作中，為使每一個畫面獲得更好的視覺效果，動畫設計師在不斷研究和設計開發的過程中積累了大量的經驗，并總結了一些當下動畫界所廣泛應用的動畫原理。通常，當動畫藝術中一些新的理論或概念出現時，很多設計師就會不斷地對其進行試驗，進而使其成為業界同行的創作準則。

三、夸張在動畫創作中的表現與應用

夸張的形式和方法是多樣性的，在故事情節、動作設計、造型變形、速度變化都能運用夸張與變形的相關技法。《熊出沒之雪嶺熊風》應用這些技法非常地嫻熟，使整個影片情節能夠得到恰如其分地表達，從而更容易得到受眾的共鳴。下面本文從四個方面來進行分析。

（一）故事情節上的夸張在動畫電影作品中的應用可以說，故事情節的夸張就是構思和設想上的夸張。在情節設置的構思上，《熊出沒之雪嶺熊風》通過把故事拉回到了熊大、熊二以及光頭強的幼年時期，準確地把握住了受眾的好奇心理，而且影片中的場面和構思已經不是一味去迎合少年兒童，那些成長和環保的題材也一樣適合于成年觀眾。譬如哭泣的熊二總是被熊大擦去眼淚，熊大教導他的那句“熊就該有個熊樣”充滿著幽默和歡樂，是可傳播、可消遣的經典臺詞。電影中設置了多處夸張的情節，讓動物做出一些超現實的行為，從白熊開始登場到水果車追逐戲，每一段都是承上啟下、環環相扣，在短短幾分鐘內讓觀眾看到了熊大和熊二的成長經歷，這個構思也非常巧妙，讓觀眾跟著情節的發展回到了它們的過去。此影片把現實生活中那些絕不可能發生的事搬到了銀幕上，在觀眾看來卻很真實、自然。隨后，電影的情節為：軟弱又無能的主角在最后時刻找到了自己的堅持和解決之道，化解了危機，成為了英雄，完成了自我成長。

（二）動作設計上的夸張在動畫電影作品中的應用動畫的精髓在于動作的夸張。偉大的動畫大師比爾•迪特拉說過：“動畫只有三樣東西：預備、動作、反應。”相對而言，自然寫實的動作在動畫中往往會顯得軟弱無力，而動畫較真人運動具有更大的張力，動畫師要仔細觀察現實生活中的某些具體動作，再恰當地將這些動作準確地表現出來，并賦予其適當的夸張，動作將會顯現為戲劇效果。有時，動畫電影中的動作完全不同于日常生活狀態的表達，夸張的動作不僅可以更好地塑造人物的性格與形象，更能增加看點。例如《熊出沒之雪嶺熊風》中的一些畫面：從山坡快速滾滑時，雪熊縮成一個球體，富有彈性，然后又飛起來等。此外，在動物奔跑的過程中，都充分運用了夸張的預備動作來達到戲劇化效果。熊大、熊二急驟急停后的身體姿勢和表情反應，都讓觀眾捧腹大笑。通過這些力度、幅度以及節奏的相關改變，從而強化動畫角色的情緒波動和性格變化，增添了很多的情趣和美感。直到今天，我們依然對《貓和老鼠》等舊片念念不忘，百看不厭，這是為什么呢？因為在上百集的劇情里沒有過多無聊的旁白，更沒有過多華麗的語言，僅僅通過主人公湯姆和杰瑞各自動作上夸張的設計，把相互間永無止境的追逐和爭斗表現得淋漓盡致。我們從中可以體會到夸張在動畫片中的重要作用。

（三）造型變形上的夸張在動畫電影作品中的應用造型變形的夸張，可以概括為角色外形上的夸張，是動畫影視作品中常見的夸張形式。《熊出沒之雪嶺熊風》中，一行人踏上了前往白熊山的旅程，在滑下坡的過程中，熊二和熊大的造型變化非常有趣，從外型上能很明確地看到，它們的身體要么整體縮成一團，要么整體拉得筆直筆直。在危機時刻，每個個體之間驚愕、緊張的表情使臉部變形嚴重，這樣在畫面上表現瞬間的強烈變化狀態，讓角色的性格特點更加鮮明，使動畫影片更富有戲劇性，視覺沖擊力也更為強烈。值得注意的是，在造型變形上的夸張有一定的目的性，他們的根源是基于生活的。任何毫無根據的、脫離生活的夸張只會讓受眾覺得“無厘頭”，難以接受。因此，造型變形上的夸張是必須的，但也必須要適度。

（四）速度變化的夸張在動畫作品中的應用速度的夸張是指角色在運動速度上的特殊變化，包括快動作和慢動作。在動畫電影作品中，經常會根據情節和動作的需要做出一些超常規的設定，從而使快動作更快，慢動作更慢，借此來突出速度上的強烈對比，以獲得視覺上的沖擊力，強化視覺效果。例如《熊出沒之雪嶺熊風》中表現角色像風一樣的奔跑或逃竄，可以看到畫面中的角色產生明顯的跟隨動作，出現了無數條腿的虛影，夸張飛奔動作極度快速。通過預備動作的積累、慣性動作的強化、追隨動作上的突變以及重量和作用力上的應用，能夠使得原本普通的事件變得有趣化，使得劇情詼諧幽默，引人入勝，烘托了整體氣氛。

結語

篇2

[文獻標識碼]B

[文章編號]1005-0019(2009)7-0033-01

[摘要]目的:腮腺面神經手術中應用肌電誘發電位監護面神經功能。方法:采用日本光電MEB-9104型肌電誘發電位監測儀,監護37例腮腺手術中面神經的誘發電位,記錄波幅及時程改變情況,并通過聲音報警和波幅改變及時規范手術操作,術中檢測面神經功能。結果:37例腮腺手術僅1例出現面神經下頜緣支損傷,2個月后恢復。結論:肌電誘發電位在腮腺手術中監測面神經功能有較大的指導價值。

[關鍵詞]肌電誘發電位;面神經;腮腺;監護

1資料與方法

1.1臨床資料:隨機選擇2004年11月-2005年7月入院腮腺腫瘤手術病人37例,術中應用肌電誘發電位監護,術前均無面神經受累癥狀。其中男21例,女16例,平均年齡57歲。病理分型:混合瘤27例,沃辛瘤6例,粘液表皮樣癌2例,腺樣囊性癌2例。

1.2方法:監測設備使用日本光電公司MEB-9104型肌電誘發電位監測儀。肌肉與軀體的其他活組織一樣,在其靜息狀態和活動時,都顯示有規律的電活動現象。手術中肌電誘發電位的監測是使用針電極來記錄肌肉活動情況,手術中肌肉電活動的監測的目的是要記錄肌肉自發性肌電圖收縮的情況,了解支配某組肌肉的神經功能是否因手術操作而受到損傷。手術監測中將針電極放置在神經支配區域的肌腹上,可通過肌電誘發電位監測儀的刺激器產生分散的電場來刺激手術野中的組織而定位面神經的走行。在面部監測持續的自發肌電圖,任何一條神經纖維損傷會產生自發的神經源性放電,導致這些運動神經所支配肌肉的收縮,將肌電圖活動的結果通過揚聲器予以放大并報警。該警示音即提示外科醫師可能由于壓迫、牽拉、電凝或切割造成了對面神經的干擾和損傷,需及時糾正,避免進一步損傷。腫瘤摘除后,通過在面神經遠端和近端處分別給予電刺激,正常時切口遠近端兩個部位刺激神經所產生的運動反應波幅應相等。如果近端刺激所產生的波幅高于遠端,提示面神經可能發生了醫源性損傷。這一信息有助于手術醫師在術后有計劃地采取醫療措施,對面神經麻痹進行及時和有效的治療。患者取仰臥位,頭偏向健側,消毒鋪巾,于所需解剖的面神經分支支配區安置肌電圖單極針電極,按腮腺標準“S”型切口翻起皮瓣[1],于腮腺前緣處解剖面神經顳支、顴支、頰支及下頜緣支中的數條分支,通過肌電誘發電位,波幅的大小與參與收縮的纖維數量和同步性有直接的關系,而面神經肌電圖,肌肉波幅的平均值400uV。

術中解剖面神經分支135支,監護中,肌電圖波幅改變及聲音報警69支,其波幅最高為1000uV,最低為450uV,持續時間最短1.3s,最長17s,平均9.15s。神經傳導的波幅下降50%也為異常圖像報警。我們設定肌電誘發電位監護面神經安全閾值為波幅450uV,持續時間2.7s。

2結果

37例患者,術中解剖面神經分支135支[2],監護中,肌電圖波幅改變及聲音報警69支,腫瘤切除后面神經功能評價有6支出現波幅輕度異常,術后僅出現1例輕度口角歪斜,2個月后恢復正常。37例患者均未出現永久性面癱,面癱比例為2.7%。

篇3

[關鍵詞] 《藝術家》 電影藝術技術革新

引言

第84屆奧斯卡《藝術家》一舉拿下最佳影片、最佳導演、最佳男主角等五項重獎成為當之無愧的大贏家。這部采用荒廢多年的黑白默片形式的電影為何能夠在世界首屈一指的電影盛事上獲得如此殊榮？除了影片本身的魅力外，它把電影自誕生之初便被屢次提及的話題再度搬上桌面：電影的藝術性何在？《藝術家》從默片演員喬治·瓦倫丁的視角切入，呈現了那場把電影看作視覺藝術、蒙太奇藝術的默片電影者的“藝術末世”。那么如今在這個電影被技術裹挾的時代，當《泰坦尼克號》3D化、《新龍門客棧》重拍時，電影趨于過分依附技術而失去其原有獨立的藝術追求，《藝術家》這部影片猶如一劑強心針，它講究的光影設計，演員高超的表現力及恰到好處的蒙太奇鏡頭剪輯等，讓我們重新看到了電影藝術本有的純粹魅力。因此，《藝術家》的大受青睞，是在情理之中。

一、《藝術家》的內核審視

沒有《阿凡達》炫目的3D技術所營造的視聽奇觀，《藝術家》做到的是完整而細膩地還原默片美學。每個鏡頭都精心打磨，精確還原，于此同時，又巧妙結合了“無聲”與“有聲”，把那個時代保守派電影藝術家們的經歷與心路歷程表現得恰到好處，淋漓盡致。

1、《藝術家》的視聽“美學”

《藝術家》講述了一位默片男星的隕落和一位有聲影片女星的新興。以愛情故事為根基，描繪了一場電影藝術的革命性轉變。整部影片借鑒了大量20年代好萊塢經典影片橋段，同時還原了默片時代常見的電影藝術手法。

（1）鏡頭美學

在默片時代，由于沒有配音和色彩，影片為表現深層含義主要靠布光與場面調度。在影片起始，喬治春光得意的時候，他的面光大多平鋪，沒有陰影。例如在他所演電影的謝幕會上，高亮的追光燈使他面部十分明朗，整個人顯得精神煥發。而到了影片后半部，則多為倫勃朗光，側光甚至逆光。比如在喬治賣西服時，光源是側逆光，而在他自己在家放映以往的電影，站起身與自己影子對話時，是來自放映機的全逆光。通過光的運用變化，表現出喬治由盛轉衰的人生經歷。而女主角佩皮則完全相反，她從普通人到明星的轉變，光也從自然光轉為柔光或高光。就如同在上世紀20年代好萊塢電影中，為了把女星呈現得美麗無瑕，往往會使用柔光鏡，在女演員的臉頰、頭發上暈染一層毛茸茸的白邊，不僅使女演員看上去非常光鮮，并擁有超凡脫俗的高貴氣質。在影片中期后，佩皮的打光多采用此法。

在場面調度上，代表處是影片0:35’ 10’’時，和老板談崩的喬治與被男人的簇擁的佩皮一下一上在樓梯相遇。一個是被時代所拋棄的舊日明星，一個是剛簽公司的“新鮮肉體”，喬治仰頭和佩皮說話，兩人的位置和拍攝角度凸顯出他們不同的人生命運。最后一個樓梯全景的交代，佩皮登上臺階，她的電影之路剛剛展開，而喬治順梯而下，預示著沒落與遺棄。

（2）表演美學

默片時代的電影依靠純視覺來感知，因此要求默片演員有極強的表現力和感染力。在問及導演哈扎納維希烏斯“您希望演員在默片里做出什么樣的表演”時，哈扎納維希烏斯說：“約翰·古德曼、讓·杜雅爾丹以及貝熱尼斯·貝喬，他們的表情很豐富，在他們說話時你可以輕松地了解他們內心。”[1]當然除導演提及的表情外，肢體語言也是默片重要的達意環節，這也就是為什么很多默片演員如卓別林都是雜耍、舞蹈高手。另外還有就是動物助手，如喬治的寵物狗就為影片的喜劇感增色不少。

（3）剪輯美學

為了還原傳統默片的藝術精髓，導演運用了前蘇聯理論家愛森斯坦最推崇的老式蒙太奇剪輯法，其中有些蒙太奇因略顯刻意而在如今影片中鮮有可見。例如相似蒙太奇，影片0:53’13’’ 時，由如日中天的佩皮鉆石高跟鞋切換到喬治破爛的皮鞋，折射出兩人生活狀態已然迥異。還有電影1:20’26’’時導演采用雜耍蒙太奇來表現喬治在得知他拍賣會上的物品全部被佩皮買下后，恐懼、憤怒的心境。影片中他瘋狂掀開一張張白布，期間穿插剪輯了雕塑猴子的特寫，它們或捂眼或捂耳或捂嘴，突出了喬治不愿接受這一切的慌亂與痛苦。再有1:26’14’’時的積累式蒙太奇把很多說話著、大笑著的嘴剪輯到一起，形成強烈的視覺沖擊，把氣氛渲染到極致，促使喬治無法接受“有聲”而自殺。其實，像雜耍蒙太奇、累積蒙太奇，因為它過于形式化而被當今電影摒棄，但卻為這部影片最大化突出視覺藝術表現力而推波助瀾。

除還原傳統蒙太奇剪輯手法外，導演還采用默片時代慣用的“淡入淡出式”轉場，同時影片拍攝使用每秒22格，1:33:1的小銀幕寬高比，在技術層面上使《藝術家》達到幾乎完美地仿真復古。

（4）“聲音”美學

《藝術家》最出彩的地方，莫過于它把無聲與有聲巧妙結合。例如在影片0:29’04’’喬治看了有聲電影后，自己回到房間，發現所有的物品都能發出聲響——玻璃杯的聲音、馬路車流聲、狗叫聲、電話聲……所有聲音摻雜呼應，宛若轟鳴的噪音，喬治慌亂地跑到街上，看到一片羽毛掉到地上發出爆炸般的巨響。這種突如其來的音效介入，打破了觀眾已經形成的默片觀影狀態，強大的聽覺沖擊，把一個習慣于靜默的“啞巴”演員對聲音的恐懼淋漓盡致地表現出來，而觀眾亦感同身受。在影片的最后，男女主角踢踏舞合作后，喬治終于說出了“樂意效勞”（With pleasure）這句話，這是全片中他發出的第一個聲音，影片也以有聲電影的方式結束了，暗示著默片時代便以這些“藝術家”的妥協結束。哈扎納維希烏斯在默片中插入聲效，起到的效果非比尋常，使《藝術家》主題表現力得到升華。

2、《藝術家》的主題分析

在影片的籌劃階段，導演哈扎納維希烏斯曾想把本片命名為《美人痣》，取自于喬治在佩皮臉上所點的一顆痣。但是制片郎曼卻把片名改為《藝術家》。片名的更改對本部影片的主題起到畫龍點睛的作用，使它從反映默片演員的個人遭遇升華為在那個時代下整個電影領域對“電影藝術”定義的革命。眾所周知，沒有錄影機和放映機的發明便沒有電影，它是所有藝術門類中受科技影響最深遠的。因此當錄音設備出現，聲音進入電影成為組成部分的時候，曾一度造成了電影技術、藝術、商業上的混亂。因攝影技術和錄音技術都處于發展初期，隔音玻璃屋限制了攝影機的移動自由，攝影機的噪音又影響了同期錄音。剪輯的蒙太奇結構也會因聲音而受破壞。正如前文所述默片時代的種種藝術探索都將因聲音的出現付之東流，造成電影美學上的倒退。而觀眾會因為聲音的出現而減少對畫面和演員的關注。因此，以卓別林、金·維多、雷內·克萊爾、普多夫金、愛森斯坦等為代表的一群無聲藝術大師們公開表示排斥有聲片。1928年，愛森斯坦、普多夫金和亞歷山大洛夫三位蒙太奇大師聯合發表《有聲電影聲明》，在《有聲電影聲明》中，盡管他們承認聲音“會給電影帶來強大的新的表現手段，會有助于闡明和解決復雜的問題，而這在過去只依靠視覺形象的無聲電影的不完善的手段，是不可能解決的問題”，但是同時他們又痛心于因有聲片的出現會對蒙太奇這種電影深度內涵表達方式造成巨大威脅，電影只能“被語言控制去講故事”。與此同時，有聲電影的沖擊不僅涉及到藝術理論界，它更嚴重地威脅到默片演員的生計。因有聲片更注重演員的聲音表現力，大量默片演員難以勝任而被淘汰。以戲謔語言和夸張舞蹈為表現主體的百老匯戲劇業乘虛而入，大批演員流入電影市場，把戲劇美學也帶入電影，造成了對白泛濫及百分百音樂歌舞片的出現。正如《藝術家》中所表現的，最后喬治和佩皮一同跳起到了百老匯常見的踢踏舞，場景的布置就如舞臺，而拍攝手法也是一鏡到底，電影失去了重構現實及剪輯的張力，默片最終向有聲片進行了徹底妥協。

二、電影藝術特性

通過對電影《藝術家》的分析，問題已經呼之欲出：被技術裹挾的電影是否為藝術？有聲、彩色、3D時代下，電影的藝術性又如何體現？

1、電影是否為藝術

若要討論電影是否為藝術，首先需要界定的是“什么是藝術”。柏拉圖說：“藝術即模仿”。亞里士多德說：“藝術即認識”。大衛·休謨說“藝術即品味的對象”。北京電影學院教授王志敏在《現代電影美學體系》一書中提及：“藝術可以界定為人類歷史認定的、專門化的媒介手段” [2]。此定義中的核心點是“歷史認定”、“專門化”的“媒介手段”。首先毫無疑問，電影是一種“媒介”，它最初的功能是“記錄”。把三維的世界保存下來，在空間和時間兩個層面上進行傳遞，成為人們交流的媒介手段之一。但隨著電影制作、放映技術的不斷進步，“歷史”穩定性和“專門”性并不適用于電影。其他傳統藝術樣式，如繪畫、雕塑、舞蹈即使創作工具不同，古往今來呈現出的藝術作品是大體不變的，但電影作品則經歷了從無聲到有聲、黑白到彩色、2D到4D、銀幕到電視種種變化，使人們很難從歷史和專門化的角度對其進行界定。那么電影是否還能歸位于“藝術”范疇？

在半個世紀前，愛因漢姆就電影的藝術地位提出了六個基本條件：“立體在平面上的投影；深度感的減弱；照明與沒有顏色；畫面的界限和拍攝的距離；時間和空間的延續性并不存在，視覺外的其他感覺失去作用。” [3]顯然，愛因漢姆是以默片為界定依據。常言道：“藝術源于生活高于生活”。在愛因漢姆看來，正因為電影在轉化物質現實（或稱作戲劇化提煉）時，電影特有的藝術韻味和藝術精神被折射出來。愛森斯坦認為蒙太奇是對這種藝術精神的最重要承載者，“蒙太奇的力量就在于它把觀眾的情緒和理智也納入到了創作過程之中” [4]通過觀眾的二次創作，使電影出現超脫于生活的韻味。當有聲片出現后，聲音在一定程度上影響了蒙太奇的達意效果，而在很長一段時間不被學者接受。電影有聲了，便不再是藝術了么？答案是否定的。電影理論家克拉考爾的“物質現實的復原”理論以及麥茨的電影符號學證實了電影藝術更加核心的“特殊”屬性。克拉考爾認為：“電影是在對于現實的照相記錄本性的延展中來凸顯藝術精神和抽象意味。” [5]麥茨則提出了電影的“空的空間”本體特征，它與文學的意會特征有相似性，即“都體現了概括和傳達人類抽象情感力量的藝術氣質” [6]，這兩位學者的理論更加深入和開放，并不局限于某種電影類型，把電影概括為是一種 “幻象式（或想象式）”的藝術，這才是電影藝術本體屬性所在。

2、幾大電影發展時期藝術特性比較

上文引用克拉考爾及麥茨的理論證實了電影是一種營造“幻象”的藝術。而從無聲片、有聲片、黑白片、彩色片、3D片、到電視電影，不斷更新的是“造夢”的手法及呈現方式。下圖就幾種電影類型進行對比分析：

如圖所示，前六種電影藝術手法是從黑白默片誕生之初就被廣泛采用并被視為主要的電影達意手段，特別是在默片電影中承載藝術內核和思想深度的地位尤為突出。然而，自聲音、色彩、3D特效進入電影后，藝術手法又有了新拓展。比如張藝謀的《英雄》中色彩在表達心理、結構情節上起到重要作用與效果。聲音的運用使電影更加還原現實，并把畫外的空間也帶入電影，著重烘托氣氛和展現人物內心狀態。近幾年3D技術沖擊電影市場，再加上IMAX雙拳出擊，營造出令人驚嘆的視聽奇觀，它從觀影效果上改變了電影的“二維”屬性，使電影的“幻象式”造夢發揮到極致。相比之下，電視電影在電影為“幻象式”藝術的界定下，出現了偏離。因此，從嚴格意義上講，電視電影并非純粹的電影，它只是一個制作模式或放映模式，歸根到底，其電視性的特點更為突出。

三、當代電影藝術困境及展望

1、藝術困境

隨著技術的不斷革新，電影的藝術手法也在跟進拓展。但不容忽視的是，隨著技術手段的日新月異，許多電影人忽視了最傳統的電影藝術手法，當今電影界出現了兩大藝術困境：1、大批粗制濫造影片接踵問世。特別是近幾年小成本喜劇電影最為明顯，不講究的景別、機位、光影、調度、蒙太奇等手法使電影藝術性大打折扣，甚至電影和電視劇、情景劇沒有太大區別。2、過度依靠技術，掩蓋創新危機。《泰坦尼克號3D》、《東邪西毒終極版》、《新龍門客棧修復版》等影片在內容沒有任何更改下重拍，折射出的是電影創新越來越捉襟見肘。通過“炒舊飯”的方式，再次賺取票房。這種方式或許前幾次能有效果，但很快觀眾就不會再買賬，畢竟電影藝術不能剝離內容而單純靠技術維持。

2、小結及展望

本文通過對《藝術家》的全面分析，回顧了電影誕生之初核心的藝術表現手法，探討了電影藝術的特殊性并延伸了電影藝術表現方式。無論技術怎樣革新，電影將一直秉承著“幻象式”這一本體屬性，進行不斷的藝術探索及創新。然而，隨著技術進步，電影創作也面臨著嚴峻的考驗。本屆奧斯卡把最佳影片大獎頒給《藝術家》是對技術為主導的時代一次最好的反擊。未來的電影，應該逐漸把技術放歸于次要，重新審視電影藝術的傳統手法，把電影做精做細，這才是維系電影這門特殊藝術長久生命力的根本所在。

注釋

[1]張翰. 這一次，好萊塢向自己致敬[J]. 電影世界, 2012,3: 63.

[2]王志敏. 現代電影美學體系[M]. 北京: 北京大學出版社, 2006: 76.

[3]王志編. 電影學：基本理論與宏觀[M]. 北京: 中國電影出版社, 2002: 135.

[4]愛森斯坦. 論蒙太奇[M]//自李恒基, 楊遠嬰. 外國電影理論文選. 上海文藝出版社. 1995: 99.

[5]王志編. 電影學：基本理論與宏觀[M]. 北京: 中國電影出版社, 2002: 136.

[6]王志編. 電影學：基本理論與宏觀[M]. 北京: 中國電影出版社, 2002: 137.

篇4

[關鍵詞]電影；美術；藝術關聯

電影是一種特殊的藝術形式，從誕生到現在已經具有100多年的歷史，但其與美術藝術的發展歷史是不可同日而語的。從某種程度上來講，電影藝術的發展源于美術藝術，美術藝術可以說是電影藝術的母體，電影與美術藝術是一個不可分割的整體。美術將自己的風格、流派等融入電影，電影吮吸著美術藝術的精華，很多電影在美術藝術的滋潤下得到永恒的發展。因此說，一部杰出的電影必定是電影藝術與美術藝術的和諧統一。

一、電影藝術與美術藝術的關系

美術藝術有著悠久的歷史，從一定程度上可以說美術是隨著人類的生產而產生的。美術包含的內容非常廣泛，其涵蓋萬千，諸如繪畫、工藝以及雕刻等。美術將線條、色彩以及結構作為基本元素，通過使用物質媒介的二維空間或者三維空間，將場景、人物以及事件以靜態的形式表現出來，而人們則需要通過聯想、思考來體會作品意境。電影藝術與美術藝術相比，其屬于嶄新的藝術。人類的視覺在極短的時間內有著短暫存留的天然功能，而電影藝術就是采用了這樣的原理，它將運動中的相互關聯的畫面通過影像的手段呈現在人們的視覺之中，從而形成了畫面在視覺中的運動感。可以說電影藝術根本屬性應該是動態藝術的一種表現形式，它將所有相關的畫面以運動的方式，在一定的時間過程中使它們相聯系，這就形成了電影。

美術是電影的母體，電影是吮吸著美術的營養成長和發展起來的，與此同時，電影又使美術藝術得到了升華。它們都是藝術的表現形式，二者之間既有聯系又有區別。美術具有二維或者三維的空間性，是用靜止的圖畫串聯起來從而表現主題的一種藝術，而電影是用可以動的畫面來表現主題，具有空間四維性。電影的空間四維性特征對電影美術設計師提出了更高的要求，其不僅要熟悉劇本，而且要具有良好的造型基本功，同時要能夠將導演在影片把握方面的意圖進行形象化與具體化的藝術處理。

電影和美術這兩門藝術是相通的，都是具有觀賞性的，并且都是一種無聲的語言，都是人們通過視覺來感受到圖像中的信息。美術是電影的基礎，電影要通過美術來創作完善自己，換句話說美術就是電影的養料。在一定程度上可以說一個優秀的電影作品實際上就是十分珍貴的一個美術作品。電影藝術離不開造型和光影效果與色彩配置，等等，然而，這些都是美術中的要素，一部成功的電影都是創造性地把這些美術元素進行調用組合，形成一幅幅美麗的畫面，從而使得電影具有良好的觀賞性。正是由于電影和美術具有相通的特性，所以使得這兩門藝術之間的交融越來越大，現在很多的畫家也加入到電影拍攝過程中，比如，杜宇、湯曉丹以及國外的普多夫金、柯靜采夫等。并且，現在一些優秀的電影就是根據美術作品而拍攝的，比如《東京愛情故事》《水澆園丁》等都是根據連環畫或者漫畫改編而成的。正是由于電影和美術之間的獨特的關系，使得美術中人物在電影中很容易塑造，自然美術也逐漸地融合到電影之中 。

二、美術藝術在電影中的應用

一部成功的電影作品，同時也是一部成功的美術作品。美術在電影中有著任何形式都不可替代的巨大作用。可想而知，沒有美術藝術對電影藝術的潤色，電影的主題思想就不可能得到充分表現，電影也就失去了意義，因為它談不上能夠使觀眾得到審美的愉悅。所以每個優秀的電影導演對于美術藝術在電影中的應用都是十分重視的。在電影中恰當地應用美術藝術可以得到意想不到的效果。從某種意義上來講，一部電影的成功與否，和美術作品的優劣有著極大的聯系，可以說它能夠起著決定性的作用。隨著時代的進步，電影的手法越發成熟，然而，美術在電影中應用這個最根本和最重要的因素具有極大的藝術價值，這是永恒的規律。美術藝術在電影中應用的三要素是：結構、線條、色彩。它們在電影藝術之中表現為電影的色彩、造型以及光影等。

（一）造型在電影中的應用

造型藝術是形體創作的一種藝術表現形式，而造型藝術也是美術的一種獨特的藝術存在形式。運用某些物質材料對藝術形象進行藝術塑造，是美術設計的重要手段，它可以展示客觀事物的精神面貌，換句話說造型在電影中的應用實際上是造型在人們對審美意識進行物化過程中的藝術處理，從而使藝術家對客觀事物的真實情感得到全部徹底宣泄。美術藝術可以采用靜態的藝術手段來呈現所要表達的典型形象，并且將視覺上的審美感受和觸覺上的審美感受通過在電影的造型藝術之中表達出來，充分體現出造型藝術在電影中得到了廣泛的應用。因此在某種意義上來講，電影藝術是對造型藝術的升華。它的存在方式是以動態和立體形式表現，并且與時間上的惟一性相結合，形成了在空間上的三維性。造型對影片來講十分重要，要求也很高，特別是對于3D電影來講，造型必須具有更加嚴格的要求。因此電影造型必須使用美術的藝術手段對其進行創作，它不但能夠使虛幻的藝術形象得到呈現，還能夠呈現以往的藝術形象，并且還能夠對將來的藝術形象進行預測。所以說，電影藝術不僅給美術藝術提供了發展平臺，而且還針對美術藝術的要求也提出了越來越高的標準。場景造型和人物造型是電影造型的兩個最基本的藝術形式。尤其是對塑造電影的典型人物形象具有深刻的意義。比如《喜羊羊與灰太狼》這部動畫片，就應用了寫實的美術手法，美術造型為這部動畫片帶來了很大的成功。再如《滿城盡帶黃金甲》這部電影，影片中傳統的建筑結構、傳統的布景造型以及形象的人物特震撼，都為這部影片的成功助了一臂之力。

（二）色彩在電影中的應用

在電影中色彩元素的應用是必不可少的一種藝術手段，電影一旦缺了色彩的應用，電影作品的生命將不復存在，可見，色彩應用對于電影來說意義重大。色彩是一種無聲的語言，它在對電影的主題和典型形象的情感表達方面往往能夠起到“此處無聲勝有聲”的巨大作用。導演將色彩在電影中恰當地應用能夠使自身的情感世界得到充分表達。色彩可以對典型環境的氣氛和典型人物的性格進行烘托，從而使受眾產生強大的共鳴，比如象征輕松、愉快和活躍、稚嫩等常常使用黃色；象征熱烈、溫暖和激情等常常使用紅色；象征安寧和平靜等常常使用綠色。在電影中，通常會采用統一的基調來提高電影的整體藝術效果。比如在張藝謀的電影中，通常都會科學合理運用色彩，將色彩的作用發揮到極致，給觀眾前所未有的視覺沖擊。比如《紅高粱》這部電影，就是色彩運用的典型作品，其為觀眾展現了一個唯美的紅色世界，象征著頑強的生命意志，體現出了一種敢做敢為的態度。影片中的紅色沖擊著廣大觀眾的視覺，給觀眾朋友們一種熱血沸騰的感覺。再如黃土地、紅高粱這些具有我國特色的東西，都引起了觀眾的共鳴。

（三）光影在電影中的應用

光影是電影美術師通過研究觀眾對光的敏感度，并通過光源調整創造的電影意境，通常能夠起到令人感動或者令人害怕，甚至是令人恐怖的效果。電影中的光影雖然是無形的，但是如果能夠科學利用，往往能夠起到意想不到的藝術效果。電影美術師通過利用光影不僅能夠烘托出一種特殊的氣氛，而且還能夠實現導演創作意圖。當今，隨著科學技術的發達，光影在電影中得到了廣泛的應用。光影對于一部電影能否成功已經起到舉足輕重的決定性作用了。因此，電影離不開光影藝術的應用。特別表現在影片后期制作中，光源的調整，意境的創設，都促進了電影風格的多樣化發展。諸如將白天設計成漆黑一片，將酷暑轉變為嚴寒。例如《英雄》這部電影，色彩以紅、白、黑三種色調作為基本色調，而調和色使用灰色，使用這樣的光影藝術對電影情節進行烘托，使情節更加波瀾起伏，從而使整部影片色彩和諧、典雅。光影在電影中的應用，不僅能夠實現色彩、情節和畫面的融合，而且能夠將故事人物的性格烘托出來，使得藝術效果大為增強，將美術在電影藝術中的重要意義彰顯出來。

三、電影藝術對美術藝術的作用

（一）電影促使美術作品得到多角度的欣賞

電影美術師將美術作品通過藝術處理以后應用于電影之中，從而使美術作品達到電影藝術化。通過藝術加工以后的美術作品明顯不同于普通美術作品了。電影美術師經過了攝影與剪輯工作之后，美術作品就從靜態轉變為了動態，而且能夠實現畫面在運動過程中的時間控制，并且呈現出二維繪畫實體至三維空間實體轉化，這就是電影中的造型元素。美術藝術從靜態畫面轉變為動態畫面，從空間轉變為時空，而且能夠實現任意組接。此外，美術藝術在經過電影創作組的創作之后，成為二次創作的產品，同時經過了攝影組的工作，又成為二維畫面，這便成為電影中美術藝術的獨特元素，實現了觀眾的多角度欣賞。

（二）電影對美術作品起到保護與傳承的作用

美術作品的存在往往是獨一無二的，惟一性特征明顯。但是由于受到了諸如時間、保護方法、戰爭等因素的影響，美術作品的惟一性往往經受不同程度的影響，對于紀錄片來說，尤其是那些美術紀錄片，它的產生為美術作品提供了更為嶄新的存在形式。因此， 電影對美術作品起到保護與傳承的作用。例如影片《畢加索的秘密》，是一個十分典型的案例，它對美術作品進行了保護。這部電影屬于美術紀錄片的代表作，它使用特殊的藝術手法將畢加索創作的詳細過程進行了記錄，盡管這部影片中的繪畫沒有惟一存在，但是復制品也可以說賦予了原作品一種新的存在形式。也正是因為如此，《畢加索的秘密》這部電影成為法蘭西的國寶級作品。

四、結 語

美術藝術具有悠久的歷史，將結構、色彩以及線條作為基本要素，通常采用靜態方式表現動態場景，與美術藝術相比較，電影藝術是嶄新的，電影藝術屬于動態藝術，通過畫面的運動與時間的引入形成電影，其不僅具有四維空間性，而且還具有流動性與造型性。電影和美術的內在聯系是天然存在的，美術是電影的母體，為電影的產生、成長和發展提供了無限的營養和動力，可以說美術是電影的生命，同時，隨著電影藝術的不斷發展，人們可以通過電影從多方面欣賞美術藝術，在一定程度上也促進了美術在電影中的發展。

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篇5

杰夫?沃爾在世界攝影界具有不可撼動的地位，其攝影藝術風格的獨特，帶給人強大的視覺震撼。從藝術學的角度上來說，杰夫?沃爾創作的攝影藝術作品具有強烈的藝術感染力，在藝術接受的過程中，以觀念攝影形象深深打動人，具有典型的藝術美。對杰夫?沃爾的攝影藝術風格進行研究，能促進攝影事業的發展，在攝影界具有重大的研究價值。

本文從杰夫?沃爾的人物介紹及其藝術成就出發，對杰夫?沃爾進行簡要的介紹，再以具體的藝術作品為個案研究深入分析杰夫?沃爾的觀念攝影藝術風格，最后總結杰夫?沃爾的攝影藝術風格對現今攝影界的啟示。

關鍵詞：杰夫?沃爾；觀念攝影；藝術風格

緒論

隨著當代攝影技術的不斷進步，對一件優秀攝影作品的要求，并不單單以攝影技術高超作為評判標準，而是加入了“藝術思想”作為一種更高的追求。每一件優秀的攝影作品當中都應該含有深刻的藝術意蘊，也就是蘊含在藝術作品中深層的含義和意義，杰夫?沃爾作為攝影界觀念攝影家中最具影響力和代表性的人物之一，其觀念攝影藝術風格值得我們深入研究。本課題以“杰夫?沃爾的觀念攝影藝術風格”為研究對象，用文獻調查法、個案研究法、觀察法等作為研究手段，深入探析了杰夫?沃爾的攝影藝術風格，在攝影界具有重大的研究價值。

關于“杰夫?沃爾的觀念攝影”，在國內外不同時期都有不同的研究。本人認為，對“杰夫?沃爾的觀念攝影藝術風格”的探析可以促進國內外觀念攝影藝術的發展。在攝影技術越來越發達的今天，西方攝影界首屈一指的觀念攝影家打破了傳統攝影固化的攝影藝術手段，以“藝術觀念”為核心創作攝影作品。本課題以探析“杰夫?沃爾的觀念攝影藝術風格”為目的，在我國攝影界具有重大的理論指導和實踐指導意義。

1杰夫?沃爾的藝術成就

1946年出生于溫哥華的杰夫?沃爾，是加拿大首屈一指的攝影家，以觀念攝影為主，在攝影界具有極強的影響力和強大代表性。杰夫?沃爾對藝術的狂熱追求使得他始終和別人不一樣，一直保持著學習和探索的狀態，杰夫?沃爾的藝術成就可謂非凡。1978年創作出攝影作品《遭洗劫的房間》、1984年創作《牛奶》、1985年創作《謾罵》1991-1992一直著力創作《死亡路上的對話》，這些藝術作品是杰夫?沃爾最具代表性的，都給人強烈的藝術感染力，在其特有的觀念藝術思想下，將攝影界的觀念攝影推至一個新的境界。不僅如此，杰夫?沃爾不斷創新攝影手法和內容，他的成名作《遭破壞的房間》是采用燈箱式操作，而其后作品《畫面具的人》、《更衣室》等的藝術創作手法及流程采用電影式拍攝，但其攝影作品內容皆奇異可觀，與前人有很大的不同，且含有深刻的藝術意蘊，耐人尋味。杰夫?沃爾在藝術形式和內容上的創新給予攝影界的整體發展和提高一點啟示，其非凡的藝術成就也為西方攝影界添加了熠熠生輝的不滅之光。

2淺析杰夫?沃爾觀念攝影的藝術風格探析

2.1“繪畫”藝術風格

借鑒與融合不是一模一樣的照搬，而是對藝術的重新演繹和再創作，杰夫?沃爾觀念攝影的“繪畫”藝術風格表現為對繪畫藝術作品形式和內容上的借鑒，這種借鑒在其攝影作品《遭破壞的房間》有最深刻的體現。杰夫?沃爾在這個作品得到畫面里，房g里的破裂床、掀翻的家具、撕毀的衣服等的擺放都是被安排的，而不是原本真實散亂的房間，讓人可以想象到這場景背后的暴力。這與傳統的紀實攝影有著極大的區別，杰夫?沃夫走上了一條觀念攝影的道路，跟后現代畫派風格類似，其藝術作品展示的內容讓人有廣闊的聯想空間。“這件于1978年推出的作品《被毀壞的房間》，成為他新的開端；當時這件作品在溫哥華諾瓦畫廊的店面櫥窗中展示時，形成一種強有力的磁場，將路人從商業性的櫥窗展示中吸引過來，駐足凝視；可以說，這件作品將一間臥室的內部毫無遮掩地展示在眾人面前，這張照片以前所未有的電影或電視的手法―――擺拍，成為沃爾此后大部分作品的一大特色”①。

人為設計的場景被燈箱操作使得《遭破壞的房間》成為一部具有深刻藝術意蘊的攝影作品，最耐人尋味的是這部作品與德拉克洛瓦的名畫《薩丹納普拉斯之死》②有著千絲萬縷的聯系，在場景設計和寓意上有有著高度相似。可以說，杰夫?沃夫借鑒了《薩丹納普拉斯之死》的內容和形式，繪畫和攝影的結合，這是藝術門類之間的融合，這種融合將推動藝術的發展。再如，其后的攝影作品《女人像》則借鑒了印象派大師馬奈的名畫《福列斯?貝熱爾酒館女招待》，其場景設計和寓意上也有著驚人的一致，借鑒了其內容和形式，只是畫面中若有所思的女招待被一個站在空蕩的攝影棚里的女人所替代了，同時攝影棚的女人與攝影者的眼神交錯在一起。杰夫?沃爾用攝影獨特的語言將他所在馬奈作品中所探索出的東西在作品中展現了出來。

杰夫?沃爾曾在訪談中表示，他認為繪畫時代和攝影時代一直是聯系在一起的，也就是說攝影繼續著攝影發明以前繪畫所做的事。在這個意義上，攝影一直在模仿繪畫。攝影模仿繪畫，而且必須如此。因此，杰夫?沃爾的很多靈感來自繪畫，“繪畫”藝術風格讓其攝影作品開出一朵朵因美麗的藝術之花。

篇6

一、 影像動畫藝術的普及化發展概述

影像動畫藝術之所以能在電影媒介中得到廣泛運用并非偶然，若從專業角度來看，電影與動畫的都是以定格畫面為基礎發展而來的視覺化藝術，而且在影視動畫藝術前期發展中，影像動畫的鏡頭組接與剪輯手法與電影創作依然有著眾多相似之處，加之影像動畫的普及化發展是建立在電影媒介基礎之上的，使影像動畫藝術創造與電影媒介有著密不可分的內在聯系。

（一）影像動畫藝術的發展脈絡梳理

翻開歷史篇章，影像動畫的早期發展是在維多利亞時期，魔術幻燈、西洋鏡可作為影像動畫的前身，多以實時影像為主，但無法存儲的弊端使其難以得到普及發展。進入20世紀以后，電影媒介走進人們的日常生活，攝影、膠片技術的誕生，為影像動畫翻開了新篇章，手繪、逐幀拍攝等創作手法成功克服了影像動畫藝術不可保存的弊端，使大量優秀的作品走進了人們的生活。迪士尼公司創作的白雪公主、唐老鴨、米老鼠等動畫形象也成為數代人銘記終身的經典，而這一期間內國內動畫藝術創作也有《葫蘆娃》《小蝌蚪找媽媽》《大鬧天空》等大量優秀作品。在科技創新的推動之下，計算機網絡技術在為人們的生活日常帶來更多便捷之時，該項技術也為眾多藝術領域注入了新的活力，影像動畫藝術就是其中之一。在數字化媒體時代，影像動畫的創作發生了質的變化，除傳統二維平面動畫以外（即傳統動畫），3D技術的融入使影像動畫的視覺沖擊力更強。

（二）影像動畫藝術與電影媒介的不解之緣

盡管影像動畫藝術發展起源已有上萬年的歷史，但若深究其發展脈絡，影像動畫藝術的普及化發展應在20世紀，期間大量優秀的影像動畫作品倍受大眾喜愛，而推動其發展的正是電影媒介。電影作為最早的動態視覺化傳播媒介，眾多藝術門類在其早期視覺化發展之中都在嘗試利用電影媒介來對自身進行推廣，影像動畫藝術就是其中之一。迪斯尼成立以后，為迎合大眾的觀影習慣，1928年迪斯尼以電影表現形式創作了首部長篇動畫電影《白雪公主》，從此拉開了動畫電影的發展序幕。1935年到1955年期間，迪斯尼公司還利用電影的創作思維創作了大量優秀的動畫電影作品，如聞名于世的《三只小豬》《花兒與樹》及米老鼠系列動畫電影，其中米老鼠系列動畫電影還榮獲了1952年奧斯卡金像獎，也使影像動畫與電影結下了不解之緣。[1]

二、 解析影像動畫視覺表現手法的獨特魅力

縱觀影視動畫藝術的發展脈絡，我們不難看出，影像動畫藝術的普及化發展道路是建立在電影藝術發展之上的，無論是美國迪士尼公司所創作的大量優秀影像動畫作品，還是國內早期所創作的《小蝌蚪找媽媽》《大鬧天空》等影視動畫作品，電影媒介都是影像動畫藝術的首選載體。但若從表現手法及創作角度來看，影像動畫藝術創作的視覺表現有著其獨特之處，尤其是進入數字媒體時代后。經眾多影像動畫創作大師的辛勤付出，如今的影像動畫藝術創作已日漸成熟。鑒于大眾對于電影媒介的普遍認可，影像動畫藝術的大量作品的傳播推廣依然離不開影視媒介的支撐。綜合近期幾年影像動畫藝術的發展來看，其視覺表現手法的獨特魅力主要體現在以下幾個方面：

（一）色彩運用更為豐富

色彩基調是眾多通過視覺來表現的藝術門類必須考慮的要素之一，在影像動畫藝術的創作過程中，色彩基調是創作大師們優先考慮的環節。在影像動畫的發展之中，動畫作品的創作都是通過手繪方式實現的，對于創作者的美術功底要求較高，但也為其帶來豐富的創作空間。例如，在我國早期的影像動畫作用當中，《大鬧天宮》在色彩基調的把控上就具有自身獨特的魅力，創作者在繪畫時，不會過多考慮外在因素限制其主觀思想的情感表達，可充分發揮自身想象力進行色彩搭配，大膽的用色不僅使得該部作品具有濃厚的民族氣息，也使畫面更具沖擊力與想象力，主要人物孫悟空看似隨意紅、黃搭配堪稱類似人物創作的經典配色，2015年上映的《大圣歸來》在孫悟空人物的創作的，配色上依然傳承了我國早期影像動畫創造經驗，除此之外2016上映的《大魚海棠》不僅故事題材取自我國古典文化《莊子?逍遙游》，其色調基調的搭配也極具中國傳統文化特性，在推動國內影像動畫產業發展的同時，也向世界展示了中華民族傳統文化的魅力。

（二）人物造型更具個性

人物造型是話劇、歌劇、電影、電視、動畫等眾多藝術門類在創作之中都需涉及的環節，但多年的發展實踐表明，影像動畫的人物造型是眾多藝術門類之中最具有個性化的。例如，近期上映的動畫《冰川時代5》的人物設計當中，突破客觀事實的、擬人化的人物造型方式為都體現影像動畫在人物造型中獨特的魅力與優勢。縱觀影像動畫的發展歷程，在多年發展之中米老鼠、唐老鴨、多啦A夢、湯姆與杰克、大力水手以及中國近期動畫所創作的喜羊羊與灰太狼等眾動畫人物形象，在為人們帶來歡聲笑語的同時，典型化、個性化人物造型所折射出的深刻蘊意也時常引起人們深思，引發人們思考更多關于人性的問題，達到進化人們思想的作用，例如《海底總動員》中小丑魚對自由的渴望、《怪物史萊克》對愛情的追求以及近期《大圣歸來》的孫悟空對善的追求、《搖滾藏獒》中波弟對音樂的執著等優秀影像動畫作品人物，不僅在人物造型方面極具個性，所宣講的真、善、美也值得大眾學習。[2]

（三）動作設計更為夸張

我們不難看出，“運動”在影像動畫視覺表現中的重要性，加之影像動畫藝術創造不會受到客觀現實的制約，為此，在動作表現上影像動畫創作依然具有自身的優勢。例如在家喻戶曉的《貓和老鼠》影像動畫之中，該部作品大量引人發笑的場景設計源自于湯姆追趕杰克的戲份，創作者則充分利用影像動畫在視覺表現上對“運動”的獨特優勢，天馬行空的追逐畫面極具創意。伴隨數字化時代的到來，影像動畫藝術在動作設計上的獨特優勢又再一次得到體現，例如在《功夫熊貓》《小黃人》系列、《冰雪奇緣》《冰川時代》等眾多在數字媒體時代所創作的影像動畫作品，各種人物的動作設計視覺沖擊力較強，極其容易調動觀眾的情緒，讓觀眾感受的觀影的樂趣。

三、 影像動畫藝術表現手法在電影媒介中的巧妙運用

盡管影像動畫藝術與電影媒介已有較深的內在聯系，但鑒于兩者視覺表現手法上的差異，也使得的影像動畫藝術與電影存在本質上的區別。電影的本質在于利用攝影機的照相功能對現實社會中客觀存在的事物進行真實性描述，為觀眾展示的是特定的人、特定的環境下所發生的事件，一部優秀的電影作品在充分還原現實生活的同時能給予人們心靈的慰藉；影像動畫則不同，動畫的創作手法決定影像動畫作品是藝術與技術的有機結合，其藝術性體現在視覺的表現上，影像動畫藝術能給予創者更多創作空間，可將小說、文學、音樂、傳統繪畫等眾多藝術表現形式融入其中，所創造的作品既可是對現實生活場景的還原，也可是創作者自身想象的、假定的場景。從創作角度來講影像動畫藝術在視覺表現上具有更多的優勢，致使影像動畫在利用電影媒介進行傳播之時，電影創作者們也在通過不斷的嘗試將影像動畫的視覺表現手法運用到電影作品的創作當中，其中主要體現在以下幾個方面：

（一）電影創作對動畫視覺表現風格的借鑒

鑒于影像動畫在視覺表現上的特殊魅力，電影在發揮自身媒介功能對其進行傳播之時，電影創作者們在視覺表現上也逐步嘗試引入影視動畫的視覺表現手法將之融入到電影藝術作品的創作之中，其中也有大量較為優秀的作品值得電影創作者們學習與借鑒，例如昆汀?塔倫蒂諾在電影《殺死比爾》，在視覺表現上就運用了大量影像動畫的視覺表現手法，不僅使得影片的打斗場面更加宏偉，也使得該片的整體風格更加新銳；除此之外，《罪惡之城》系列電影也在制作中運用了大量影像動畫藝術的視覺表現手法。[3]從題材上來看，《罪惡之城》改編自弗蘭克米勒同名漫畫，為此在視覺表現上該片在拍攝之時也創新式的融入了影視動畫的視覺表現手法，個性化的人物設計，夸張的打斗場面以及突破常規的用色，使該片在大眾心中留下了深刻印象，還在世界各大影展上榮獲4大獎項與12項提名優異成績。

（二）將影像動畫人物運用到實景拍攝當中

將動畫人物運用到實景拍攝當中，也是近幾年電影拍攝常用的手法之一，尤其是在3D技術與CG技術快速發展的今天。在電影的早期發展之中，還原真實場景是電影創作的主要表現形式，但伴隨電影的多樣化發展，電影涉及種類也日益豐富，除劇情片、動作片以外，科幻題材電影深受大眾喜愛，在國內電影市場當中還有以我國傳統神話故事為主題拍攝的電影。早期的電影拍攝，一方面由于缺乏相關技術上的支持，另一方面在視覺表現手法上缺乏創意，很大程度上限制了該類電影的發展。如今科技創新日新月異，在相關技術的之下具，有前瞻性思維的新銳導演也在嘗試將影像動畫人物運用到實景拍攝當中創作手法來制作電影。雖然《海底總動》《玩具總動員》等電影當中觀眾都會看見真實拍攝場景，但將該種視覺表現手法運用得較為成熟的電影，應屬在2015年上映的《捉妖記》，該片核心人物之一――胡巴就是采用較為典型的影像動畫視覺人物造型設計出的人物，將其運用到實拍場景當中雖然具有一定難度，但在制作團隊的精心設計之下也使得的該片成為2015年上映的熱門電影之一，創下了24億元票房。[4]

（三）利用動畫視覺表現手法制作專場鏡頭

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【關鍵詞】電影藝術；美學特征；傳統文化

創作電影，其實也是在創作美的藝術。觀眾對電影藝術的欣賞，實際上就是對“美”的藝術形象的感知與領悟。美既是人生命追求的意義所在,也是人對于客體的一種價值判斷標準。在人類生命的意義與價值中,電影藝術的“美”占據極其重要的地位。電影藝術使觀眾在精神領域中獲得審美的愉悅和生命價值的滿足。這就意味著，要求和衡量電影藝術要用美學理論的標準來進行。電影理論全面、深入發展的突出表現是電影藝術美學特征的完美呈現，同時，電影藝術的美學還是對電影進行思考的一種方式。研究電影藝術美學特征時要把這種思考方式牢牢掌握，進而提高受眾在電影藝術創作和欣賞時的自覺性。為中國電影的創作和發展做出巨大貢獻的電影人張藝謀，根植于中華民族的傳統文化，通過鏡頭語言與民族傳統美學的有機融合，使得他的作品充滿哲理的思考和詩情畫意的美感。

一、電影藝術：電影與美學的有機融合

生活是由一個個社會現象組成的，生命的終極追求在于透過生活獲得美的真諦，也就是說要通過研究表面現象去追求本質。電影是通過再現生活場景來傳達思想和傳遞情感的。本質和現象缺一不可，兩者的結合成為電影藝術存在的現實依據。可見，電影藝術是電影與美學兩者之間的完美融合。電影有助于美學確定自己真正的研究對象,并以此為依據深入發展；美學有助于電影更加深入地探究畫面與聲音等現象，也就是更加深刻地理解電影的真正內涵。每種藝術都有自己獨特的表現方式和不同的物質載體，以拍攝電影為例，電影藝術是運用攝像鏡頭來展現的。電影通過攝影機拍攝下來的一個又一個的具體鏡頭來反映生活，表現在銀幕上則是欣賞者最直接的欣賞、審美對象。電影的一個鏡頭包括連續的一組畫面，制作者根據分鏡頭劇本內容，采取不同的方法拍攝，得到許多不同長度的鏡頭畫面，再按照一定的藝術構思把它們剪輯組合，并配以音響效果，影片即攝制完成。每個鏡頭的設計和創作都應遵循一定的美學原則。鏡頭中所包括的各種因素，從畫面構圖、光線配置、色彩運用到人物表演、節奏處理、音響效果等，都應具有一定的審美意義，使每個鏡頭在表現思想內容的同時，能產生一定的美感作用。攝影機的運動也同時實現了對鏡頭畫面的自由駕馭，從而增強了畫面的生命力和真實感，這也切實的論證了電影與美學結合綜合表現藝術的重要性。中國電影一個世紀的風雨歷程，給中國觀眾留下了不可磨滅的印跡。印跡的深處，正是中華民族獨特的文化意蘊與風情神韻。張藝謀，作為中國當代導演中的代表人物之一，以專業的鏡頭語言作為主要的敘事工具，利用聲音和畫面的完美結合，并融入經典的民族文化和獨特的美學思想，在有序的敘事情節中，實現一種飽含民族情感的審美愉悅和對傳統文化的由衷贊美。

二、電影美學：電影藝術的審美性特征

美學是研究人類審美活動的科學。也就是說，美學的研究對象是審美現象。那么什么是審美現象？不同的時代，不同的地域，不同的民族觀點不同，到現在也沒有一個固定的答案。而電影理論家們認為電影是無須界定的。可見，美學家對待審美現象和電影理論家對待電影的態度有異曲同工之妙。所以，在研究電影藝術具有哪些審美特征時，電影受眾的審美取向無疑是非常重要的。電影藝術的第一個審美特征是具有視覺呈現性的特點。因為電影總是用有視覺呈現性的畫面語言來敘述故事的。所謂視覺呈現性，指的是電影所表現的東西必須是看得見的，能夠被呈現在銀幕上的。畫面語言是電影特有的表現方式，它凝煉而又獨特，是電影藝術特有的個性。電影藝術的第二個審美特征是具有色彩表情性的特點。比如，紅色會讓人聯想到火焰，給人以溫暖、熱烈、熱情奔放的感覺；黑色會使人聯想到無邊無際的黑暗，讓人感到孤獨、恐懼甚至絕望；而藍色會讓人聯想到廣闊的天空和浩瀚的海洋，給人以寧靜致遠的感覺。這些都是人類在生活實踐經驗中一點一滴總結出來的，從而賦予了客觀的色彩以情感的內涵。色彩強烈的表情性，使得它成為電影藝術一個十分重要的抒情手段。電影藝術的第三個審美特征是接近生活,逼真自然。要求電影接近生活，不但是指外在現象的逼真,更指內在情感的逼真。有些電影過多的使用“巧合”、“偶遇”等情節，意在模擬再現現實生活中的真實情景，但其實這種表現手法往往是拙劣的，是最不真實的。電影能否真實的反映現實生活,歸根結底取決于電影藝術家對待客觀現實的根本態度。電影強調真實性，但并不意味著排斥藝術的“假定性”。反而有時候還常常借助這種“假定性”，來達到藝術的真實這樣一種審美效果。只有牢牢把握了電影藝術的審美特性，再加上對蒙太奇手法的合理運用,對聲、光、電、色彩、畫面、音響、音樂等藝術元素與電影語言的有機組合,才可能創作出生動感人、深入人心的藝術形象，物化出具有豐富內涵的電影藝術作品。只有這樣的作品才具有生命力和感染力，不但能吸引觀眾，更能感染和啟迪觀眾，持續的發揮它的審美價值與藝術張力。張藝謀電影飽滿的展示出其對于民族文化的理解和思考，這歸結于他對中華民族傳統文化的崇尚與繼承。張藝謀提取中國傳統文化中具有代表性的文化意象和精神氣質，通過鏡頭、語言、畫面構圖和電影敘事語言等集中表現出來。張藝謀對我國的民族傳統文化情有獨鐘，他不斷地挖掘中華民族傳統文化中的精髓，并移植到他的電影當中去。從他指導的電影《紅高粱》可以明顯看出，他在電影拍攝中通過一個個獨特的鏡頭語言，凝練的呈現出民族傳統文化中的經典影像或美感景象，帶給受眾美的享受。另外，從電影敘事的角度來看，他將我國傳統文化中提煉出的美學符號化，并進行藝術放大和適度夸張，使電影畫面所承載的敘事內涵不斷加寬、加深，從而使影片具有強大的藝術張力和藝術感染力。

三、藝術影響：民族文化與美學的完美結合

每一部電影的成功，都標志著電影藝術的星星之火在逐漸燎原，電影藝術存在的最根本意義在于，影片本身在獲得受眾的肯定時，能夠把其最精華的美學思想也傳達給受眾并傳揚下去。出彩的電影如何能在變幻多樣的大環境下獲得成功與肯定，值得我們去深思。電影《英雄》是張藝謀拍攝的第一部武俠片，他的拍攝理念和制作原則依然深刻的體現在這部影片當中。張藝謀對民族傳統文化進行挖掘與探究，并將中國古典文化進行了無限放大，在影片中形成了獨具內涵的意象符號，將一部武俠片以“詩情畫意”的方式表達了出來。影片將每段故事都用不同的色彩進行表現，最大限度地實現了張藝謀內心對于中國古典美學與敘事內涵的深刻解讀以及完美表達。張藝謀的電影美學思想得到了觀眾的認可，讓電影人看到中國民族文化與電影融合的更多可能。在影片當中，張藝謀展現了自己對于民族文化中色彩含義的理解和感受，他的電影美學思想也通過色彩完美地表達了出來。電影《英雄》敘事的主要工具是色彩，同時色彩也對于環境氛圍的營造、人物情緒的表達和審美取向的引導起著及其重要的作用。影片中潑墨般的大量運用色彩來推動故事情節的展開，不同的色塊分別代表著不同的主題、情感和內涵，而且這些顏色都能在我國的民族傳統文化中找到對應的內在精神含義，這也顯示出張藝謀對自然美學和中國禪意思想的深刻把握。視覺的沖擊是最強烈的，人們在看到畫面的時候，首先撲面而來的是色彩，色彩對于刺激并調動人的情緒和情感是第一性的。影片中如此大塊的、夸張的色彩運用，無疑是張藝謀對于色彩運用的一種大膽嘗試。探討張藝謀電影藝術風格對中國電影的影響可以發現，他運用色彩為電影帶來了一種藝術美的敘事風格，為電影注入了豐富多彩的美，為電影帶來一幅幅精彩的歷史畫面和一種發現人、發掘人性的美。另外，張藝謀將武俠中的精神氣度和神韻在影片中進行放大表現，使整個武打場面呈現出一種唯美和詩情畫意，這深深體現了張藝謀的電影美學理念對于中國傳統文化的繼承與發揚。縱觀張藝謀電影，從受眾的觀賞心理、審美取向、生活方式等角度分析，其中深具民族特色的普遍性規律存在。第一，在觀賞心理方面，影片切合觀眾親身體驗，從影片營造的“現實生活”中觀眾能體悟到鮮活的生命力和豐富的人生感知。第二，在審美取向方面，張藝謀電影演繹民族悠久的歷史故事、描繪民族濃郁的風土人情、展示民族獨特的風俗民性，從而得到觀眾的普遍認同。

參考文獻：

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[2]姚曉蒙.電影美學[M].東方出版社,1991.

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[關鍵詞]電影美術；色彩；形態；風格；功能

色彩是電影藝術中重要的藝術語言，在電影美術中色彩有著廣泛的運用，隨著電影藝術的發展，電影色彩的重要性日漸凸顯。通過色彩的多樣化運用，可以營造一種奇特的視覺效果，產生強烈的視覺沖擊力。在電影藝術中，色彩既是一種表現手法，也是營造影片藝術風格的重要途徑，更是提升影片思想主題與精神境界的重要手段。與現實中的天然之色相比，電影藝術中的色彩更具有藝術性與視覺沖擊力。本文首先闡釋了在電影美術中色彩作用，對電影美術設計中色彩的表現形態和風格進行了探討，并對電影美術中色彩的具體設計進行了研究，期望為相關的理論研究提供一定的借鑒和參考意義。

一、色彩在電影美術中的功能分析

在不同的電影情境中，色彩語言具有不同的含義，不同色彩之間的結合或轉換，形成了電影藝術的色彩表達。色彩是重要的視覺語言，有著強烈的視覺沖擊力，可以在第一時間抓住觀眾的眼球，在電影商業化的今天，色彩已經成為電影營銷的重要手段。每個電影導演對電影色彩的運用都有著自己的理解，因而電影色彩語言的表達往往會產生差異，甚至會產生沖突。在電影藝術中，色彩的功能是多方面的，既有象征、心理暗示和形象識別等作用，又有渲染氣氛、烘托主題的功能。

（一）色彩語言的象征功能

在不同的文化背景下，色彩有著不同的表情達意功能，這使色彩有著不同的象征功能，也使電影色彩藝術具有強烈的民族性和地域特色。如東方文化中，紅色被認為是喜氣和吉祥的象征，黃色是權威和高貴的象征，白色是不吉利的色彩；但在西方人看來白色是純潔之色，是純潔和美好的象征，紅色、黃色是暴力和生氣的象征。在電影藝術中不同的象征意義會產生不同的效果。中國古人尚紅，認為紅色能夠表達出凜然正氣和民族精神，張藝謀就認為紅色是最具有中國民俗氣息的色彩，因而他總喜歡用紅色來表達作品的意韻。[1]在影片《英雄》中，紅色的運用隨處可見，殘劍與如月身著紅色長袍在紅色的幔帳中穿梭，這種顏色似火似血，灼人眼目。此外影片《英雄》中，還大量使用了黑色和黃色，秦國尚黑，所以影片中的秦王始終身著黑色服飾，這與秦王宮殿的黑色渾然一體，既表現出秦王的自信，也體現了黑色的霸氣與王者之氣；黃色是土地的顏色，是中國的象征，在中國傳統文化中是至高無上的色彩，影片中大面積黃色的運用增強了影片的民族文化特征。

（二）色彩的心理暗示功能

人們對色彩的理解是基于對現實事物的關注，人們可以從事物的顏色聯想到該事物以及該事物的功能，所以，以事物的顏色來代表具體事物是一件順理成章的事情，這就是色彩的心理暗示功能。色彩具有暗示功能的前提是事物的特質被人們所廣泛認同的，其特質可以通過象征意義體現出來。同時，也只有在各種要素相互作用的前提下，色彩才會產生心理暗示功能。綠色是樹葉的顏色，因而可以暗示著生命和和平；紅色是血液的顏色，因而紅色可以暗示危險和快樂；紅色也是太陽的顏色，因而紅色也象征著光明、溫暖；黃色是金子的顏色，因而可以暗示著權威和高貴，等等。

（三）色彩的形象識別功能

在電影中色彩運用可以增強形象的真實感與生動性。從某種意義上來說，電影中一切事物反映在觀眾眼中都是一種視覺符合。人們通過對事物的概括、提煉得到事物的象征性符號，這些符號既是人們聯想的橋梁，也是人們識別事物形象的色彩與符號。色彩語言可以增強這些象征符號的穩定性或代表性。事實上，在電影美術中色彩的運用需要將各種色彩語言融入電影的各個要素中，使之相互聯系、相互影響，在不同的情境下形成電影藝術的色彩基調和整體風格，提升電影藝術的層次，升華電影的思想主題。

二、電影美術設計中色彩的表現形態與風格

電影中色彩的運用不只是為了表現事物的自然色彩，更在于表達事物的內在本質。在電影美術設計中，色彩具有美學意義并被恰當運用于電影之中時，才能稱之為真正的電影藝術語言。

（一）電影美術設計中色彩的表現形態

色彩的表現形態是指電影藝術中各種色彩組合所體現出來的不同含義。色彩的表現形態主要有兩種：色彩的總體結構和鏡頭的色彩結構。電影的色彩形態是由電影制作人在相互商討的過程中形成的一種美學觀念，也可以說，電影色彩形態是工作人員的觀念形態。而電影中的美術色彩形態則是指美術設計師將不同色彩相互組合、變化后形成的電影總體色彩，這種色彩包括形色、光色和情景色。形色是指有物質作為載體可以觸摸的色彩，如服裝色彩、道具色彩、景物色彩等，這種色彩體現在電影中就是人為設計的背景色彩。[2]光色是指光線的綜合作用下事物在電影中呈現出來的色彩，如鏡頭光彩、電影整體光彩，等等。情景色是時間、空間、語言等要素共同作用所形成的沒有實物載體的一定情景的色彩表現，如時代色彩、人物心理色彩，等等，這些色彩形態的具體運用需要美術師認真把握影片的內容、思想、主題，并對導演的藝術構想進行分析。

現代電影美術更注重色彩設計的主觀作用以及色彩對電影風格形成的影響。現代電影美術中的色彩設計具有很強的抽象性與象征性，能夠表現生活中的喜怒哀樂、人物內心情感變化。如今，色彩已成為電影美術設計的一種基本視覺要素，是一種精神象征和追求。

（二）電影美術設計中的色彩風格

色彩風格是指色彩所呈現出來的面貌，是特定時代藝術家思想觀念的外在反映，具有相對的穩定性。風格是多種因素在特定條件下共同作用中形成的。電影色彩風格是導演在長期使用色彩的過程中形成的穩定習慣，這種習慣的形成受導演的文化背景和色彩觀念的影響。一個優秀的導演必須有自己的色彩風格，只有這樣才能在色彩中表達自己獨特的情感，表現特定的地域特色，體現電影的象征意義。文化背景對電影色彩風格的形成具有重要影響。如歐洲文化較為內斂，所以其電影多注重色彩的組織結構和細膩色彩的表達，色彩使用更具有藝術性和思考性；而美國文化熱情直接，所以其電影色彩風格較為華麗；中國文化講究中庸，所以其色彩風格在一定程度上也較為中庸。

導演自身的色彩觀念對電影美術設計也具有重要影響。在不同環境中長大的人會具有不同的性格、不同的知識結構和文化背景，導演也是如此，這些因素往往會使導演形成不同的色彩觀念和電影色彩風格。如著名導演張藝謀、馮小剛等總是喜歡將色彩與影片故事情節相融合，以此來表現獨特的電影色彩風格。

三、電影美術中的色彩設計研究

（一）各種電影元素的融合

故事情節是展現電影魅力的重要內容，只有感染力很強的故事情節才能打動觀眾。電影中故事情節都是導演精心設計和安排的，但僅僅有故事情節還不足以深深地吸引和打動觀眾，還必須將電影故事情節置于一定的環境中，并對人物形象進行深加工，通過電影美術設計使色彩真正融入電影之中，增添電影與美術的韻味和詩情畫意。

優秀的影片離不開美術，因為電影美術能夠將情與景有效地融合在一起。[3]如在影片《集結號》中，電影的上半場以黑白畫面為主，白色的雪花與黑色的環境共同營造出一幅詭異的畫面，給人強烈的精神震撼；后半場畫面轉為鮮艷的黃色和綠色。無論是黑白畫面還是黃綠畫面都屬于美術范疇。此外，影片中的燈光、道具的設置都蘊涵著美術的意味，可以為影片增色不少。

（二）為影片營造強烈的美術效果

電影中的美術設計不僅需要與影片的主題相一致，還需要將影片的內在精神發揮到極致。這樣的美術設計無論在整體上還是在局部上，都經得起揣摩，不僅可以在影片中找到自己的契合點，也能夠更好地為電影藝術服務。如影片《集結號》為使觀眾體驗當時的情景，真實地感受到戰爭的殘酷，影片在人物造型、服裝道具、性格特征、畫面鏡頭等各方面都進行了恰當的色彩處理。如服裝的色彩必須符合時代特征，使人物在性格上符合踏實、樸實的軍人特征。雖然電影與美術存在諸多差異，但在影片《集結號》中，美術設計師卻將色彩運用滲透到了演員性格之中，找到了電影與美術之間最佳平衡點，既塑造出了樸實自然的人物形象和性格，也傳達出了最真切的影片信號，更帶給人強烈的視覺震撼與沖擊，而這些都與電影美術設計分不開。

（三）烘托影片主題

色彩作為一種視覺元素，進入電影的最初目的只是為了復制百分百的天然物質顏色。從彩《紅色沙漠》開始則突破了這種限制，導演以色彩來表現人物內心世界，并且期望用色彩來創造一個特殊的現實，這些都顯示了導演對現代文明的思考，從而使色彩成為展現人物內心世界、渲染影片氣氛的工具。[4]而這種使用影片展現人物內心世界的手法也被許多導演模仿和使用。美國影片《愛情的故事》中就通過使用灰色這種憂傷的色彩，奠定了影片的基調，烘托了影片主人公凄美的愛情故事；影片《巴黎最后的探戈》中色彩的運用給觀眾留下了深刻的印象。整部影片以象征瘋狂欲望的黃色為主色調，擴展了影片的內涵。國產電影《英雄》的感人之處，不在于故事情節的跌宕起伏和曲折離奇，而在于精致典雅的細節描寫，畫面與色彩的視覺統一。如通過人物服飾色彩的不斷變化來反映人物內心情感變化。整部影片幾乎就是通過色彩的不斷改變來講述動人的故事，色彩的藝術性在該影片中得到了淋漓盡致的發揮。

在電影藝術中色彩既是一種造型手段，也是一種視覺語言形態。色彩不僅可以對影片主題進行說明，增加影片內容的寓意性，而且還具有表情達意等豐富的藝術意蘊。如果表現力豐富的色彩不能正確運用，會產生喧賓奪主的現象，影響影片的視覺效果。由此可見，只有色彩與影片融為一體，形成色彩結構，使色彩成為影片內容，才能使色彩的意義真正得以體現。

[參考文獻]

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[3]李波.中國電影美術美學研究發展透析[J].電影文學，2012（17）.

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【關鍵詞】網絡電影;電影形式;影響

中圖分類號：J901 文獻標志碼：A 文章編號：1007-0125（2015）01-0084-01

隨著科技與社會的進步，網絡電影應運而生。網絡電影的主要特點是針對網絡的傳播特性而進行制作，并且通過網絡播出。網絡電影在制作時具有鮮明的個人化特征，能夠表現出個人化的內容。網絡電影對電影藝術的影響，主要表現在以下幾個方面。

一、反類型化的題材選擇

傳統的電影是為廣大人們服務的，具有公共的性質;電影制作完成之后要進入電影院進行播放，所以需要滿足廣大的公共群眾。比如說，根據美國好萊塢的預演制度，電影在播放前就會邀請一部分觀眾前來觀看，并且會根據他們的意見及態度來修改影片中人物的動作、語言、神態等，有時甚至還會調整故事的結局，主要是由于觀眾的喜愛決定了電影發展的形式與類型。類型電影發展到最后就會變成商業化的產物，因為市場上所需要的類型無形中就決定了在創作所需要遵守的公式化的創作原則，即典型的人物、典型的情節、典型的故事線索等等。網絡電影改變了電影的藝術形式，使其在創作時走向大眾，是對社會個性化的展示，這樣在很大程度上也就決定了其與商業電影對觀眾審美要求的迎合有著本質上的不同。網絡電影追求的是個性化的完美展示，它沒有來自票房的壓力，完全是個人對于藝術的追求，更加注重個人在生活上的感受。因而，網絡電影在題材上的選擇突破了類型化題材的選擇，對于電影藝術形式產生了積極的影響，而網絡電影本身更是表現出了多樣性的特點。

二、出人意料的情節設置

網絡電影對于電影藝術形式的影響還表現在出人意料的情節設置上。比如說，網絡電影的反轉結局在設置上就會讓人意想不到，在結局、新穎的情節化這些設置上都會讓觀眾與大量的網友喜愛，這種反轉式的電影其實就是反轉劇的另外一種表現形式，而反轉劇來源于韓國的一種較短的電視劇形式。在韓國最為流行的不是他們的電視劇而是綜藝節目式的短片，每個故事大約有45分鐘左右，每個情節是由兩個故事組合而成的。在這個短劇中，韓國演員們一般都會使用自己的真實名字，會在現實與虛擬世界中不斷地轉變著自身的角色，雖然每個人的故事是獨立的，但是最終結局往往出人意料。追求個性化是人們向著更高層次生活的追求，網絡時代的到來伴隨著人們生活水平的提高，在基本需求得到滿足后，人們就會有更高的追求，而網絡電影就是其中一個表達自身個性的很好的渠道。

三、在線互相交流與快樂審美

網絡電影具有開放式的特點，網友在線就可以進行交流，網友們也可以根據自己所需要的劇情進行更改與探討，也可以對自己喜歡的角色進行討論。比如說網絡電影《見光的愛》講敘了一個三角愛情故事，時長約40分鐘，分為4個部份，9個片段，而網友可以自己選擇電影情節的變化，由此網絡電影就會體現多結局、多選擇的特點。網絡電影的開放性特點在一定程度上給電影觀眾更多的主動權，這樣就會讓觀眾根據自己的喜好欣賞自己想看的影片，自己可以控制審美客體，而不是被客體的審美控制。網絡電影的開放性也會影響電影藝術形式，讓電影的形式變得多樣化。參與讓觀影成為一種主動，也讓審美成為一種創作。

網絡電影在創作時較為自由，可以讓網民們自己在創作的時候享受到快樂，沒有票房的壓力，就不會限制自己的創作思路。無厘頭的手法可以說是網絡電影的一大特色，隨著網絡電影的發展，無厘頭的手法也成為電影中的一大特色。以《小強歷險記》為例，這部影片中幾乎是沒有任何特效的，完全是用玩的心態來進行創作，同時為了能夠達到喜劇的效果，其語言非常幽默。

在影片的時間設置上，網絡電影也擁有著很大的自由度。傳統的電影敘事遠比網絡電影要復雜、冗長，而對于現實社會的“快餐文化”的觀影氛圍，講究效率與快節奏是受眾的首選，因此網絡電影這種敘事更具備吸引力與挑戰性。

四、結語

總之，隨著社會的發展，網絡技術的進步，網絡電影的應運而生使電影藝術的表現形式發生了變化。網絡電影的追求快樂，充分體現出人的個性化。網絡的本質是自由的，網絡的電影同樣也是自由的，可以讓觀眾們更自由地進行欣賞與評論，可以說是網絡電影的平民化。網絡電影對于世界電影的發展也起著促進作用，更是對電影藝術形式有著深遠的影響。

參考文獻：

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[3]鄧裕.網絡信息化對電影藝術的影響[J].電影文學，2008（1）.

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美術設計與電影藝術的關聯性探究

1.藝術表達方式的關聯

美術藝術和電影藝術的表達方式的不同是不能僅僅從字面含義上去理解的，要綜合運用辯證法以及對立與統一的方法，只有這樣才能更有效地利用電影與美術的表達方式上的不同來舍弊取利，達到美術藝術和電影藝術的有效結合，創造出不同的藝術效果。美術的創作主要是依靠不同的畫筆、畫紙等工具，綜合運用美術的基本元素即線條、色彩和結構等來表現，它的表達方式是在平面上的且是靜止不動的，而電影藝術則是一種具備了時空性和流動性的藝術表達形式。美術藝術在電影藝術中的應用表現就是在造型、色彩和光影等的使用上，美術使電影更加具有色彩性和藝術化，而電影則是動態性地把多個靜止的美術畫面轉換成動態的、連續的影片。

2.二者特質的內在聯系

美術和電影在時間和空間觀念上具有共同的特質，美術的創作理念和表現手段為電影的創作和拍攝做了最基本的鋪墊，是電影進行創造性拍攝的藝術源泉，也是電影的載體。在人們的審美需求逐漸轉向更高層次的當代，美術藝術和電影藝術是同源異流的兩種具有緊密關系的藝術表現形式，是動靜結合的統一體，能使人們從簡單的紙上文字轉化為在實際時間和不同時空里的審美。電影與美術藝術都具備觀賞性，美術藝術是在二維空間里表現時空觀念所變換的藝術場面，而電影能將時間和空間的流動性表達得更加形象生動。美術借助電影藝術和電影特有的電、光、聲形式而使其藝術魅力得到空前升華；電影因美術的線條、造型、色彩、渲染等各種藝術元素而更加年輕、富有生命。總體來說，電影藝術和美術藝術一樣，都是把人們對現實的美好向往和對時代的審視、歷史的回顧和未來的憧憬都表現得淋漓盡致。

美術對電影的作用

電影發展到今天，它是借助先進的電子技術、機械技術，并綜合了各種藝術表現手法而日趨成熟的。但美術與電影是密不可分的，電影的發展是以美術藝術為基礎的，美術也依然是電影構架的基本元素。電影美術師就是專門為影片的造型進行設計和制作的美術創作。

1.美術是電影的基礎

電影是用整體連續的畫面、光影與色彩表達來構建其獨具特色和豐富新穎的藝術表現與視覺效果的，它將動態的照相技術與幻燈有機結合起來，發展成為一種現代的藝術形式，將空間與時間的藝術想象通過音效與畫面展示在熒幕之上。電影將美術繪畫這一靜態的人物及事物的畫面轉變成為一種動態的表現形式，它是美術發展到一定程度之后派生出來的產物，其構架的基本元素是美術，是集合了視覺、聽覺等各感官的一種綜合性的藝術。電影的發展是建立在對美術的關注、重視以及發展之上的。一部電影，首先展示在人們面前的是它的畫面，這就少不了美術的影響，除了優秀的故事情節以外，整體的美術視覺感觀在電影中起到很大的作用。許多優秀作品都具有讓觀眾心里為之震撼的唯美的畫面，許多影片中畫面與氣氛的表現全都是以美術的藝術元素為基礎形態的。美術在電影制作中占有舉足輕重的地位，是電影生產的關鍵環節，是電影藝術的最基本元素。

2.美術是電影形象的藝術性和典型性的保證

電影首先展示給觀眾的就是人物、景物等形象，形象是電影藝術中最基本的因素。每一部優秀的電影作品，總會有一些不可磨滅的形象令人難以忘懷，并根植于觀眾的腦海中。但如果沒有進行美術藝術的處理，無論演員將這些形象演得多好，觀眾的印象也不會很深刻。另外，通過美術藝術的造型，即便同一個演員在不同的作品中分飾不同的角色，也會讓人耳目一新，印象深刻。典型的藝術形象都是通過美術手段來塑造的，都是美術創作的結果。

3.美術在電影光線、色彩運用以及意境表達上的藝術體現

在電影中巧妙地運用美術的光線、色彩，可以感染人們的心靈，給人一種強烈的震撼。在美術和電影藝術表現中，主體色彩的使用與變換，光線的配合使用，光線與色彩相結合的和諧統一，其所創造出的特殊的藝術場面與意境，直接撞擊著人們的心靈，震撼著人們的靈魂。因此光線、色彩在電影中扮演了非常重要的角色，若要使其藝術得到升華，必須使美術色彩達到與電影的相互交集和融合。

4.美術為電影造型留住了美感

藝術離不開美，電影作為一門藝術，是通過美術來獲得美的。動畫電影中的卡通人物形象都是用簡單的線條進行勾勒，通過電影美工進行創作，以達到動畫的效果，這一點在動畫電影中就表現得尤為明顯。許多深受兒童喜愛的動畫影片，都是運用寫實的美術手段制作出來的，是美術的作用使得這一系列的電影獲得了好評，給人留下了深刻的印象。在電影藝術中，場景的布置需要符合人物的身份、性格、氣場等，人物、道具、環境既要相互協調，又要情景交融，渾然一體，給整體的電影藝術增光添彩。

5.美術為電影提供了光影、創造了色彩

每部影片都要有一個統一的基調，光影和色彩是表達濃烈感情最有效的語言，光影的變化、色彩的基調有效地促進了電影劇情、在感情上產生了張力，是電影中兩個非常重要的因素。為增強電影的藝術效果，在影片中融入色彩和光影，就要充分發揮美術的作用。電影美術即一部電影根據劇情的發展需要，為了體現導演的意圖，在拍攝的過程中設計制作的關乎視覺及美術方面工作的人物造型、拍攝場景等。美術師在電影的初始階段為了把握主題，要通過閱讀劇本來確定基調，進而確定造型，最后才能進行場景的拍攝。想要達到良好的藝術效果，在電影的后期制作中更要使用美術手段進行處理。在每部電影的制作過程中，其美術屬性的表現都被看作是影片水平的重要標志。電影藝術的進步與美術的發展是相互促進、相輔相成、共同發展的。美術不僅為電影中的環境、光影、色彩提供了依據，也為電影形象的典型性和藝術性提供了保證。可以說，如果失去了美術，電影就沒有了生命。

總結